Productions Passées

L’exposition Élisée, une biographie, entend reconstituer un concentré de paysage, réconciliant l’absolu et le fragment. Le sol, les murs, le plafond sont investis. Le visiteur est entouré, partout des fleurs, du ciel, des montagnes, des ruisseaux, des arbres. Ils sont dessinés, peints, sérigraphies, imprimés. Des assises en céramique, ainsi qu’en liège et en feutre issues d’une collaboration avec le designer Romain Guillet, ponctuent le parcours comme autant d’espaces et temps de repos potentiels. Le visiteur est invité à s’arrêter, observer le paysage qui se présente à lui, mais aussi à lire ou rêver à tout autre chose.

En prenant cette citation de l’artiste britannique Avis Newman comme point de départ, l’exposition de Nikolaus Gansterer, artiste autrichien, met en lumière une conception élargie du dessin qui appréhende celui-ci en tant que processus, qui réalise et reconnaît les potentiels à la fois établis et supposés de cette forme d’art, ainsi que ceux qui peuvent encore être révélés par l’expérimentation et par la curiosité, et qui imagine des formes diverses par lesquelles le dessin peut être rendu manifeste, se matérialiser et prendre forme.

À première vue, il n’y a rien. Du moins si peu que le regard est immédiatement convoqué à scruter la feuille de papier sur laquelle il croit ne voir que poussières fines ou taches de graisse. À regarder de plus près, il prend vite la mesure d’une forme de trompe-l’œil, pour finalement fouiller encore plus avant et découvrir comment l’artiste rivalise avec le réel à l’aide de simples crayons noir et de couleurs. En déjoue toute perception et le fait basculer à l’ordre d’un faux-semblant.

Il y a les œuvres qui vous sautent à la figure, qui agressent quasiment le regardeur, lorsque les couleurs en jaillissent comme des grenades, et puis il y a celles plus discrètes, qui font moins de bruit et dans lesquelles on pénètre, en découvrant petit à petit un monde trouble et inconnu, au risque de s’y perdre ou au moins d’en ressortir avec plus d’inquiétudes que de certitudes. Les dessins de Christian Lhopital appartiennent à ce dernier groupe.

Circonstances Atténuantes est un titre évocateur dans un monde où l’art urbain est tiraillé entre les condamnations judiciaires des uns et la reconnaissance institutionnelle des autres. Lek & Sowat sont des artistes autodidactes issus de la pratique illégale du graffiti, mais reconnus et exposés par les institutions culturelles officielles, et notamment par la Villa Médicis, qui les a accueillis en tant que pensionnaires au titre « d’artistes urbains » (dénomination inédite) en 2016.
Avec ce film, Cristobal Diaz réfléchit à l’écriture d’une histoire de l’art contemporain et de ses recherches plastiques. Il choisit de partir d’une exposition pour aboutir à un film qui propose plusieurs niveaux de lecture possibles, au travers d’une esthétique pensée et maitrisée dans le cadre d’une réalisation in situ.

Sur une proposition de Christine Phal, fondatrice du Drawing Lab et de DRAWING NOW Art Fair, les membres du comité artistique ont invité des artistes émergents de la jeune scène européenne à présenter des vidéos de dessin et d’animation.
Cette programmation de vidéos dévoile la diversité et la richesse du dessin contemporain qui ne cesse de surprendre. Le dessin prend possession du lieu en s’animant sous différentes formes.

Pour son exposition au Drawing Lab, Gaëlle Chotard réalise une installation in situ : la trame, commencée à l’atelier, a été finalisée dans le lieu afin d’expérimenter la spontanéité offerte par le dessin et la compréhension de l’espace. L’artiste donne à voir le dessin en volume et en tension mais cette fois placé dans l’obscurité, comme un théâtre d’ombres ainsi qu’un choix inédit de dessins et de lavis réalisés entre 2014 et 2018.

Free est une installation artistique conçue par l’artiste Valentin van der Meulen. Cette installation propose aux visiteurs de venir découvrir des dessins contemporains inspirés de photos d’individus comme pris sur le vif, questionnant les codes de l’image d’actualité.
Il incite les visiteurs à se questionner sur l’importance et l’influence des images dans notre société actuelle, dont le quotidien est constamment envahi par les médias et les réseaux sociaux.

Avec la grande installation Cité-Fantôme, Pia Rondé et Fabien Saleil élaborent un espace à aborder à la fois physiquement et mentalement, à traverser comme un récit, par le visiteur sollicité chorégraphiquement, par les mouvements de son corps et de son expérience. Celui-ci fait partie intégrante de l’œuvre en l’activant par sa marche et ses détours, au rythme de ses pas, bifurquant pour mieux se repérer dans les méandres. Ainsi, il devient l’acteur d’un espace constitué de plaques de verre assemblées en un dallage morcelé au sol, mais aussi de plaques érigées telles des ouvertures ou des impasses. Tout n’est qu’ombre et lumière, transparence et pénombre sculptée de silhouettes projetées.

(No names, but names) est le titre de l’installation principale présentée lors de la première exposition monographique de Debora Bolsoni en France. Cette oeuvre se compose de plusieurs dessins, qui pourraient toutefois être tout aussi bien perçus comme des sculptures.